El mejor ejemplo de un uso no artístico del arte, es el comentado por Arthur C. Danto dentro del proyecto We got it. A partir de 1993, se involucra como protagonistas del consumo a 12 trabajadores de una fábrica de dulces. Durante una semana modificaron el gusto del caramelo alterando los componentes del mismo y reelaboraron el empaque. En este sentido, los trabajadores fueron partícipes y protagonistas del primer resultado de un encuentro extra-museístico de participación colectiva que, si bien no fue un éxito, sí fue el primer experimento de este tipo.

Como te habrás dado cuenta, los usos del arte están ligados a nuevas definiciones del mismo y, sobre todo, del tiempo que vivimos. Habrás visto cómo se comenzó a hablar del fin del arte cuando sus usos dejaron de ser los tradicionales. Siguiendo a los autores especializados, hay un consenso en afirmar que antes del año 1400 D.C. el concepto de arte no juega ningún rol; no hay diferencias entre arte y artesanía, ni tampoco existía alguna confusión con respecto al uso de las imágenes: era imagen religiosa y cumplía una función. En el famoso Quattrocento, aparecen ya las obras de arte. Es la época en que comienzan las llamadas grandes narrativas que intentaban legitimar un estilo o una tendencia sobre otras. Ahí predominaba la figura, la llamada “mimesis” o copia de la realidad.

Pero con la entrada de la modernidad y las vanguardias, pasa otra cosa: desaparece la figura y, por tanto, las grandes categorías estéticas.

Danto, autor de The end of art, Después del fin del arte, y La tranqsfiguración del lugar común, es quien a mediados de los años 80 retoma otra vez el tema de “la muerte del arte", pero no para decir que esté enfermo, sino para afirmar que lo que ya no funciona en el arte, esto es, lo que ha muerto, son los grandes relatos o justificaciones dentro de la Historia del arte.

¿Por qué lo anterior? Danto hace una diferenciación entre arte moderno y arte contemporáneo. Antes del fin del arte se podía tomar siempre como referente lo que ya existía y que tenía una narrativa con ciertos límites. Por ejemplo, dentro del Renacimiento (particularmente en Italia), se podía hablar de manierismo en el Cinquecento a partir de esos mismos límites referenciales que se habían fijado en el Quattrocento.

Tomando de manera arbitraria las fechas de 1880 a 1960, Danto llama a esta época la “era de los manifiestos”; nosotros la conocemos como Modernismo, ya que el manifiesto singulariza al arte justificándolo como si fuera el verdadero y el único a través de un escrito en donde se ponen principios. En esta época se reflexiona sobre el propio arte, ya no se necesitan las representaciones externas; se da un cambio en la conciencia, que implica la creación de una aclaración (de ahí la necesidad del manifiesto) de lo que se está representando y cuya temática no era la representación del mundo, sino el propio tema de la pintura; esto es, la representación en sí misma. Lo importante es el color, el concepto o la forma, etcétera. Esta tendencia prevalece hasta los años 70, cuando aparece el arte contemporáneo.

El arte moderno encarnaba lo nuevo que cada estilo consideraba como verdad, pues, según la corriente, cada uno creía imponer un nuevo tipo de orden en el arte. Cada corriente recuperaba, descubría o revelaba la verdad.

Así por ejemplo, el expresionismo abstracto, la abstracción geométrica, el neorrealismo, el pop, el minimalismo, el arte povera de los años 60 producen artistas como Richard Sierra, Eva Hesse, Richard Tuttle, Landa Bangles, etcétera, cada uno de los cuales sentía que era el máximo exponente de un nuevo orden pictórico verdadero y que esa era la verdad que rompía con cualquier interpretación pasada, pero todos tenían el pasado como referente; no importaba que fuera para criticarlo, se vinculaban con él.

En los años 70 surge un paroxismo de estilos, no hay una manera de mirar las obras de arte en contraste con lo que se ha designado como meras cosas reales. Surge la llamada transfiguración de lo banal, según Danto, con Andy Warhol y sus cajas de jabón o con Dalila Puzzovio con 25 pares de zapatos que se exponen en un cubo de acrílico, pero que son los mismos zapatos que se encuentran en la tienda de la esquina.

¿Cuál es la diferencia entre las cajas de jabones como utensilio de la cocina y el arte, o entre unos zapatos y otros?, ¿Por qué unas son arte y otras no? ¿Cualquier objeto, entonces, puede ser arte?

https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Warhol_Exhibition,_The_MAC,_Belfast,_April_2013_(09).JPG

https://es.wikipedia.org/wiki/Artes_pl%C3%A1sticas#/media/File:Art-portrait-collage_2.jpg